Palazzo Rucellai

Palazzo Rucellai

Índice                                           

-Ficha técnica.
-Autor.
-Descripción formal.
-Análisis interior.
-Bibñiografía.

Ficha Técnica:

Título: Palazzo Rucellai.
Autor: León Battista Alberti.
Cronología: 1446.
Estilo: Renacentista.
Tipología: Edifio civil.
Localización: Florencia.

Autor:

Nació en Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 y murió en Roma, 20 de abril de 1472.
Estudió lo que Vitrubio había escrito acerca de la Antigüedad y lo contrastó con las ruinas in situ y comprobó que había numerosas contradicciones acerca de la proporción usada por los romanos y las teorías establecidas sobre la proporción. Fue capaz de desarrollar un nuevo sistema de proporciones coherente.
Alberti no sólo destacó en la arquitectura, sino que también fue un brillante conversador, gran atleta, ingenioso dramaturgo, organista, pintor y estudioso de la física y las matemáticas.
El año clave para Alberti fue 1434, donde viajó a Florencia y sintió la influencia de la ciudad en él

Descripción formal

El edificio se erige sobre un solar restringido y confinado. El parámetro de los muros es almohadillado, de distinta traza en cada uno de los cuerpos. El ritmo de la fachada se consigue gracias a la superposición de ordenes: pilastras dóricas en la planta baja, jónicas en el primer piso y corintias en el segundo, siguiendo el modelo del coliseo romano.

El edifico se estructura en pisos:
 • El zócalo, en la zona inferior, dispone de un banco corrido en el que esperarían los clientes de la familia.
• La planta baja era la zona pública del palacio, donde se situaban las salas dedicadas a las actividades económicas de la familia.
• El primer y el segundo pisos constituían la zona privada, dedicada a la vivienda de la familia.
• El edificio se remata con una cornisa (sustentada por ménsulas) que sustituye a los aleros medievales aunque observamos resquicios góticos en las ventanas bíforas.

Análisis interior

El interior se disponía en torno a un patio, lo que se convertía en una característica típica de los palacios florentinos. El patio está rodeado de un pórtico de columnas corintias. Su función era proporcionar luz a las habitaciones interiores.
En este edificio observamos todas las características del palacio del Quatrocento: importancia de la fachada, para simbolizar el poder de la familia que habitaba en el, organización en torno al patio, sensación de horizontalidad gracias al uso de frisos marcando los pisos, uso de elementos clásicos y sensación de orden y simetría conseguida por la repeticiones de elementos y las proporcione entre estos.


Bibliografía
http://www.iesjorgejuan.es/sites/default/files/apuntes/sociales/historiadelarte2/tema9renacimiento/comentarios_tema9/Comentario_t9_%20Palacio%20Rucellai_Alberti.pdf
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/15754.htm
http://arteculturaexistencial.blogspot.com.es/2008/03/palacio-rucellai.html
http://historiadelartecomentarios.blogspot.com.es/2011/03/palacio-rucellai.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Palacio_Rucellai

David, Donatello

David

 Índice
-Ficha técnica.
-Descripción formal.
-Elementos no formal.
-Contenido y función.
-Contexto histórico.
-Bibliografía.

 Ficha técnica

Título: David.
Autor: Donatello (Floréncia, 1386-1466)
Cronología: 1444-1446
Estilo: Renacentista.
Tipología: Escultura exempta.
Material: bronce.
Tema: bíblico.
Localización: Museo Nazionale del Bargello (Floréncia).

Descripción formal

Se trata de una escultura de bulto redondo de cuerpo desnudo y entero de pie en la que aparece un David muy joven (adolescente) que después de haber derrotado a Goliat, le ha cortado la cabeza con su propia espada. David pisa la cabeza con aire pensativo y sostiene en sus manos la espada de Goliat (mano derecha) y la honda con la que lo dejó inconsciente (mano izquierda). Se aprecia un gran contraste entre la serenidad firme del rostro de David y el desmadejado gesto de Goliat. David aparece con el sombrero de paja típico de la Toscana y lleva también una corona de hojas (clara alusión al heroísmo grieg). La escultura presenta el momento posterior al enfrentamiento, cuando David ha salido vencedor, de ahí su pose relajada y su contrapposto.

Elementos no formales

La composición es plenamente figurativa con la búsqueda de la belleza ideal en la imagen de un David adolescente. Su cuerpo(de anatomía blanda apenas desarrollada) aparece representado como si fuese el de un dios, y que adopta la postura clasicista del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre la pierna derecha, cuya cadera sobresale recreando la curva praxiteliana.

Contenido y función

Esta obra supuso la vuelta al desnudo como tema tras casi mil años de ausencia de éste de la historia del arte occidental. Desde otro punto de vista diferente, la obra hace alusión al enfretamiento entre la ciudad de Florencia (representada por David, con el sombrero de paja tradicional florentino) y el ducado de Milán (representado por la cabeza decapitada de Goliat). 
La inscripción que aparece en la obra confirma esta teoría: “Pro Patria fortiter dimicantibus etiam adversus terribilissimos hostes di i praestant auxilium”
Significa---> A los que valientemente lucharon por la madre patria, los dioses darán su ayuda incluso ante los más terribles enemigos.
 Posteriormente, en el Barroco, simboliza el triunfo de Cristo sobre la muerte y el pecado.

Contexto histórico

 La obra se puede contextualizar en la plenitud del Quatrocento. Fue un encargo de Cosme de Médicis, prohombre florentino que al devolver el poder a la República de Florencia se identifica con el personaje bíblico.
 El tema del David es un clásico del arte italiano. Varios artistas aportaron su visión del tema. El de Verrochio es más descarado y audaz (además de estar vestido), el de Miguel Ángel es el símbolo de la tensión en el instante previo al estallido, y el de Bernini (ya Barroco) representa a David en el momento fugaz e imposible en que dispara su honda.

El periodo histórico en el que se enmarca esta obra tiene como protagonista al hombre (antropocentrismo), el humanismo, la recuperación de los saberes clásicos (filosofía, historia, latín, griego, etc) y la aparición del estado moderno.

Bibliografía
http://es.wikipedia.org/wiki/David_%28escultura_de_Donatello%29
http://historiadelartebachillerato.wordpress.com/2011/10/06/comentario-de-la-escultura-david-de-donatello-1440/
http://seordelbiombo.blogspot.com.es/2013/10/comparacion-escultura-renacentista.html
http://www.slideshare.net/desperdicios/david-donatello-30396082
http://elblogdelgalvez.wordpress.com/2010/05/24/comentario-de-la-obra-david-de-donatello/

Brunelleschi: San Lorenzo

San Lorenzo

Índice:
-Ficha técnica.
-Análisis formal.
-Análisis interior.
-Análisis exterior.
-Análisis simbólico.


Ficha Técnica:                                                         

 a) TIPO DE OBRA:  arquitectura.

b) TÍTULO: Basílica de San Lorenzo.
c) AUTOR: Filippo Brunelleschi (1377-1446).

d) FECHA: 1421-1428

e) LOCALIZACIÓN: Florencia, Italia.

f) ESTILO: Arquitectura renacentista del Quattrocento.

Análisis formal:

* FORMA: Obra arquitectónica con planta de cruz latina, de tres naves y capillas laterales. Presenta cubierta exterior a dos aguas en la nave central y a un agua en las laterales.

* MÉTODO: Construcción realizada en piedra, con mármol para los revestimientos decorativos y material de relleno en las bóvedas.

 Análisis interior:

La nave central, de mayor altura y anchura que las otras, presenta una arquería de medio punto cuyos arcos están sostenidos por columnas corintias. Sus capiteles sostienen cubos de entablamento con arquitrabe, friso y cornisa. A mayor altura aparece un muro perforado por amplios y esbeltos vanos de medio punto que permiten la iluminación natural del interior del templo. La cubierta interior de la nave es plana, con casetones decorados mediante rosetones dorados sobre fondo blanco.

Las naves laterales presentan bóvedas vaídas que se sostienen, a un lado, sobre las columnas de la nave central y, al otro, sobre pilastras de orden corintio. Sobre éstas, a los lados externos, encontramos óculos de iluminación.Las capillas de los extremos (7 a cada lado) muestran un acceso con arco de medio punto y se cubren con bóveda de cañón.

El transepto presenta en su frente cinco capillas , todas rematadas con una cabecera plana. La central, a modo de ábside, se alinea con la nave principal y posee el mismo tipo de cubierta adintelada. La cabecera queda enmarcada por dos columnas corintias sobre las que se alza una tribuna, generando una doble altura en la que se aprecian sendos arcos de medio punto. La otras cuatro capillas se alinean con las naves laterales y se cubren, al igual que éstas, con bóvedas vaídas. Además, el trasepto posee otras tres capillas en cada uno de sus extremos, orientadas hacia la cabecera del templo (en un caso) y hacia el crucero (en los otros dos). Éste se cubre con una cúpula semiesférica que aparece al exterior cubierta por una estructura a modo de cimborrio.

Adosados a ambos lados del transepto se encuentran dos amplios espacios, que sobresalen de la estructura del templo. Son las llamadas "Sacristía Vieja" (obra del propio Brunelleschi) y "Sacristía Nueva" (obra de Miguel Ángel).

Análisis exterior:

Al exterior, el templo presenta una fachada inconclusa, hecha con piedra y ladrillo, ya que no se llevó a cabo su revestimiento con decoración de mármoles. Sin embargo, hacia el interior, la basílica muestra una contrafachada (obra de Miguel Ángel) que posee en la zona central un balcón sobre columnas corintias que enmarca la puerta principal, quedando a sus lados otras dos laterales.

Análisis simbólico:

No hallamos en la propia edificación referencias simbólicas evidentes, más allá de la que nos muestra la propia planta de la basílica, cuya cruz latina es una referencia obvia al más conocido símbolo de la religión cristiana. Por otra parte, la propia majestuosidad del edificio viene a simbolizar el creciente poder de la familia de los Médicis, que encargó su construcción.

Cuando Brunelleschi recibió el encargo de levantar (sobre una antigua iglesia románica) la Basílica de San Lorenzo, Florencia se hallaba en el comienzo de una etapa de esplendor que viene marcada por el predominio en el gobierno municipal de la familia Médicis, representada por Juan de Vicci Médicis (1360-1429), riquísimo banquero, comitente de la obra y con el que se inicia el apogeo de la dinastía florentina, consolidado con su hijo Cosme el Viejo (1389-1464).

Juan de Médicis decide encargar el proyecto a Brunelleschi con una clara finalidad: el templo habría de servir como panteón de los miembros más ilustres de la familia, para mostrar al mundo no sólo la riqueza familiar, sino también su predominio en la vida política y cultural de la capital toscana.

Todo el edificio refleja el acusado interés de Brunelleschi por conseguir la armonía y la proporción en la construcción. Para ello, el arquitecto parte del empleo de un módulo cuadrado (al que responden con exactitud la capilla mayor y el crucero) que se extiende al conjunto del edificio, ya sea multiplicando o dividiendo sus dimensiones, con lo que se obtiene un acusado efecto de regularidad y simetría.

 Bibliografía:

 http://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Lorenzo_de_Florencia

 http://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Lorenzo_de_Florencia

 http://www.iesjorgejuan.es/sites/default/files/apuntes/sociales/historiadelarte2/tema9renacimiento/comentarios_tema9/Comentario%20_t9_%20San%20Lorenzo%20Brunelleschi.pdf

 http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/15912.htm

 http://ipfaarte.blogspot.com.es/2008/04/iglesia-de-san-lorenzo-brunelleschi.html

La catedral de Palma

            La catedral de Palma                                            

Índice:
Introducción.
Análisis.
El número tres.
Antonio Gaudí.
Bibliografía.



La catedral de Palma, conocida con el nombre de la Seu,  es un enorme templo que se inició en el siglo XIII pero la conformación principal, que data del s XIV. Pertenece al Gótico mediterránio.
En el siglo XIV la actividad constructiva en la península Ibérica se centra en Cataluña, Baleares y el reino de Valéncia

Análisis

Planta---> Se divide en tres naves
El cuarto tramo se ensancha a modo de transepto. Entre los contrafuertes se alojan capillas.
La cabecera:
Las naves laterales acaban  en capillas de planta cuadrada.
La nave central culmina en una capilla de planta central destinada a la sepultura real.
La diferéncia de altura entre esta capilla y el tramo anterior, más alto, permite la apertura de un resetón que ilumina la iglésia desde la cabecera. 

• Alzado

En el alzado existe una importante diferéncia de altura entre la nave central y las naves laterales lo que permite conseguir una inédita altura interior y abrir un amplísimo claristorio (en el cual destaca el rosetón) aunque las ventanas son estrechas para contrarestar el fuerte suelo del mediterráneo. Pero también obliga a utilizar muchos contrafuertes con doble arcuación de arbotantes.

• Exterior

Macizo sistema de contrafuertes que transmiten una pronunciada verticalidad. Disposición escalonada de los diferentes elementos arquitectónicos.

• Interior

Finísimas columnas octogonales que separan las tres naves.
Sobriedad y austeridad decorativa caracterizan este edificio religioso.

El gótico levantino o mediterráneo se caracteriza por:
La horizontalidad
Planta de salón (planta basilical, nave única o naves en la misma altura)
Capillas entre los poderosos contrafuertes.
Aperturas más estrechas que en el gótico francés.
Austeridad decorativa.

El número tres
La catedral tiene características que permiten incluirla dentro del gótico mediterráneo: austeridad, capillas entre los contrafuertes, aperturas...,pero, la altura de la nave central no es típica de las plantas de salón levantinas y tampoco lo es la utilización de contrafuertes en el exterior, ni en la doble arcuación de arbotantes.
La presencia más visual del tres en la catedral es la de su factura arquitectónica, es catedral de tres naves, A su vez, la catedral puede ser percibida como la conjunción de tres iglesias. Una es la primera que se construyó. La llamada Capilla de la Trinidad, allá arriba, al fondo, donde se guardan los mausoleos de les reyes. La segunda comienza cuando la anterior se ensancha y sube, la llamada Capilla Real, donde está ahora el altar y presbiterio. La tercera surge cuando la construcción se triplica y aparece el edificio de las tres naves.
Tres son, entrando por el portal mayor, los rosetones, uno tras otro, y el que se encuentra en el medio a su vez está en medio de otros dos que se encuentran en las naves laterales.
El número tres no es en absoluto extraño al patrimonio cultural de la Iglesia. Los cristianos adoran un Dios trinitario – Padre, Hijo y Espíritu Santo -, y tres son sus virtudes teologales – fe, esperanza y caridad-

Antonio Gaudí
Gaudí llevó a cabo Restauración Litúrgica” de la Catedral de Mallorca: olvió su protagonismo a la cátedra episcopal del siglo XIV, labrada en piedra1, que estaba situada en el muro absidal de la Capilla Real, oculta por el retablo barroco.

Cacterísticas:
Es singular por la diversidad de materiales y las diferentes técnicas utilizadas en una misma obra. La hemos denominado “decoración mural” ya que no es propiamente un mural cerámico, sino que está formada por piezas de cerámica, hierro forjado y dorado, relieves en los muros, pintura, morteros coloreados, y además incorpora las ménsulas góticas que soportan el arranque de los arcos de las trompas.

Bibliografía:
http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Santa_Mar%C3%ADa_de_Palma_de_Mallorca
http://www.arteguias.com/catedral/palmademallorca.htm
http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=7513
http://luxmallorca.tv/video/catedral-de-palma-la-seu-lux-mallorca/
http://www.gaudiclub.com/esp/e_vida/mallorca.asp

Edvard Munch: Obras

Obras de Edvard Munch
Principales obras


De mañana. 1884. Óleo sobre lienzo. 96,5 x 103,5 cm. Colección Rasmus Meyer, Bergen.

La niña enferma. 1885- 86, óleo sobre lienzo, 119,4 X 118,7 cm., Galería Nacional de Oslo.
El pintor declara, sobre esta obra:

Con La niña enferma abrió caminos nuevos para mi, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro.

  
Hans Jaeger. 1889. Óleo sobre lienzo 109,5x84 cm. Galería Nacional, Oslo

 La rue Lafayette. 1891. Óleo sobre lienzo, 92 x 73 cm., Oslo.

  
El grito. 1893. Témpera . 83,5 x 66 cm. Museo Munch, Oslo.

 Pubertad. 1894-95. Óleo sobre lienzo 151,5x 110 cm. Galería Nacional, Oslo.

 Madonna. 1894-95. Óleo sobre lienzo 91x70,5 cm. Galería Nacional, Oslo.

Celos. Óleo sobre lienzo, 66,7 x 100,3 cm., Rasmus Meyers Salinger, Bergen. Una litografía con el mismo título, de 1896, se conserva en el Acervo Municipal de Arte de Oslo.

 Mujer en tres etapas.1895. Óleo sobre lienzo, 164,1 x 250 cm., Rasmus Meyers Samlinger, Bergen.

 "Fue en 1895. Hice una exposición en el otoñote Blomquist. Los cuadros provocaron un tremendo rechazo. La gente quería boicotear la galería, llamar a la policía. Un día me encontré allí a Ibsen… mostró un interés especial por “Mujer en tres etapas”. Tuve que explicarle el cuadro. Aquí esta la mujer soñadora, allí la mujer hambrienta de vida y finalmente la mujer como monja, pálida y erguida entre los árboles…Unos años después Ibsen escribió “Cuando los muertos despertemos”… Estas tres figuras femeninas aparecen con frecuencia en el drama de Ibsen, igual que en mi cuadro".

 El beso. 1897, gravura. Acervo Municipal de Arte de Oslo.

 Muchachas en el muelle. 1899, óleo sobre lienzo, 135,9 x 125,4 cm.

 Amor y Psiche. 1907, óleo sobre lienzo, 119,4 x 99,1 cm., Munch museet, Oslo.

 "A principios de siglo tenía la necesidad de romper con áreas y líneas. Sentía que esta forma de pintar se podía convertir en una costumbre… Después pinte una serie de cuadros con líneas anchas, a menudo de un metro de largo, que se extendían vertical, horizontal y diagonalmente".

 Bibliografía:
 http://www.slideshare.net/profesorrivas/edvard-munch-algunas-obras
 http://es.wikipedia.org/wiki/Edvard_Munch
 http://www.arteespana.com/edvardmunch.htm
 http://www.epdlp.com/pintor.php?id=321
 http://www.slideshare.net/catalinacampos/edward-munch-1934767

La Noche estrellada

Vicent Van Gogh: Noche estrellada           

Índice
-Ficha técnica.
-Análisis formal.
-Técnicas.
-Bibliografía.








 Ficha Técnica

Autor: Vincent Van Gogh.
Fecha: 1889
Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Características: 73´7 x 92´1 cm.
Estilo: Neo-Impresionismo.
Material: Oleo sobre lienzo.


 Autor

Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Nació el 30 de marzo de 1853 en Zundert (Países Bajos). A la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. Murió a los 37 años en Auvers-Sur-Oise (Francia) de un disparo que él mismo llevó a cabo, fruto de frecuentes brotes producidos por una enfermedad mental.


Análisis formal

Vincent se encontraba recluido en el manicomio de Saint-Rémy desde el mes de mayo de 1889 y observamos el panorama que él veía desde su ventana. La noche siempre atrajo a Van Gogh (véase en otros cuadros como Café nocturno o La terraza del café ) porque para él se trataba de otra luz, una luz diferente de la que había utilizado hasta este momento. El cuadro nos muestra un paisaje nocturno iluminado por la luz de las estrellas, puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor y la luna, pintada de color naranja en la parte superior derecha del lienzo, que hace pensar en un sol radiante. En el primer plano encontramos los cipreses, altos y esbeltos tomando como inspiración a Seurat y la estampa japonesa. El ciprés es un elemento cargado de simbolismo que el artista había comenzado a utilizar en sus últimas representaciones. Es la figura más oscura de la composición. Al fondo podemos observar un pequeño pueblo en el que destaca la larga aguja de la torre de la iglesia. Más allá del pueblo, está representada una extensa colina.

Previamente a la pintura realizó un dibujo en tinta, que actualmente se encuentra en el Museo de arquitectura de Moscú:

Técnicas

Es de destacar el tratamiento de la luz de las estrellas, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura: un trazo a base de espirales que dominan el cielo. Las líneas del contorno de los edificios están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo empleada por Gauguin y Bernard. Las pequeñas luces de las casas son, al contrario que los astros, cuadradas y poco brillantes. Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista.

A diferencia de muchas de sus obras, La noche estrellada fue pintada de memoria y no a la vista del correspondiente paisaje como era su costumbre.


Bibliografía
http://www.historiadelarte.us/impresionismo/noche-estrellada.html
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/3347.htm
http://artesinfin.wordpress.com/2011/12/02/la-noche-estrellada-v-van-gogh/
http://nochehermosa.blogspot.com.es/2008/07/noche-estrellada-vicent-van-gogh.html
http://www.vangoghgallery.com/es/pinturas/noche-estrellada.html

Santiago de compostela

          LA CATEDRAL DE SANTIAGO  DE  COMPOSTELA

Índice

-Descripción
-Análisis interior.
-Análisis simbólico.
-Análisis sociológico.
-Bibliografía.







Descripción

La construcción de la gran Catedral de Santiago de Compostela debió comenzar alrededor del año 1075, promovida por el obispo Diego Peláez y dirigida por el Maestro Esteban.

Este edificio es sucesor de otros anteriores que sirvieron para albergar y dignificar los restos del Apóstol descubiertos en "Compostela" (Campo de Estrellas) a comienzos del siglo IX. La mayor parte de la Catedral estaba construida hacia el 1122.

Análisis inetrior

El edificio se concibió como una armoniosa cruz latina con un crucero.

Los arcos formeros y fajones se apoyan sobre pilares de sección cuadrada con cuatro semicolumnas adosadas muchos de ellos con capiteles vegetales o narrativos.


 

La cabecera de la Catedral (realizada en primer lugar por la importancia que hay en su interior, donde se encuentra la cripta)  incorporaba una amplia girola y cinco capillas radiales. De ellas, la central presenta al interior forma absidada, mientras que al exterior se cierra con testero plano.

Todo el espacio interior del templo está organizado de manera que los fieles pudiesen acceder a la catedral por la portada de los pies y recorrerla hasta llegar a la girola, en cuyo espacio central se encuentra el sepulcro del citado apóstol

Todo el alzado del templo se adornaba con un piso de tribuna -que ayudaba a estabilizar el peso de la bóveda de la nave central- por lo que el aspecto vertical y palaciego de la iglesia se intensificaba-.

En los hastiales del transepto había fachadas y puertas monumentales. De la del norte (fachada de la Azabachería) sólo han quedado algunos restos.

Está mejor conservada la de las Platerías, con sus dos grandes puertas y un mareante conjunto de esculturas en algunos casos colocadas anárquicamente.

El misterioso Maestro Mateo comenzó su intervención en 1168 y se ocupó de los últimos tramo de la nave y de la construcción de la cripta que soportaría el famoso y majestuoso Pórtico de la Gloria, además del coro del que han perdurado importantes piezas.

http://www.youtube.com/watch?v=dZhaXOdRF3g

El edificio, presenta a sus pies un nártex, en el que se sitúa el Pórtico de la Gloria. En la construcción primitiva, en este espacio se situaban a cada lado sendas torres de planta cuadrada.

El interior del templo se divide en tres naves. La central posee un ancho de 10 metros y alcanza una altura de 22, cubriéndose con bóveda de cañón. Las naves laterales, de menor altura lo hacen con bóvedas de aristas. Sobre dichas naves laterales se alzan tribunas que asoman a la nave central mediante arcos geminados. Sus vanos exteriores proporcionan iluminación a la parte superior de la nave central, lo que contrasta con la mayor penumbra de la zona inferior.

 














Las bóvedas se sostienen mediante pilares compuestos que presentan columnas adosadas y  el transepto se organiza también en tres naves en cuyos extremos se abren sendas portadas al exterior. Presenta cuatro absidiolos, dispuestos dos a cada lado de la cabecera.La cabecera de la catedral es de amplias dimensiones y dispone de una girola con cinco capillas radiales en los absidiolos.

El espacio interior del templo está organizado de manera que los fieles pudiesen acceder a la catedral por la portada de los pies y recorrerla hasta llegar a la girola

Análisis Simbólico
Esta catedral simboliza la importancia de una ciudad y una sede obispal en la que se encuentra situado el sepulcro de uno de los doce apóstoles de Cristo. En este sentido, la propia planta de la iglesia es imagen de la cruz de Cristo y representación en pìedra de la idea de la cruxifixión y muerte de Jesús como base para la salvación del mundo. Pero, por otro lado, la construcción simboliza a la perfección el desarrollo del reino astur-leonés en un momento en el que el espacio geográfico peninsular se encontraba fragmentado y en el que sobresalía el mundo islámico representado por al-Andalus.

Análisis sociológico

El sepulcro del apóstol Santiago fue redescubierto hacia el año 829 y sobre el mismo se edificó un primer templo, de reducidas dimensiones. Más tarde se levantaron dos basílicas prerrománicas a las que finalmente acabó sustituyendo la catedral que podemos contemplar ahora.

Disponer de uno de los doce primeros discípulos de Jesús (junto con San Pedro en Roma) convirtió a la antigua Iria Flavia en el centro de un creciente movimiento de peregrinaciones, convirtiéndo a Santiago de Compostela en uno de los principales centros religiosos. De esta forma surgió el Camino de Santiago, cuyo trayecto concluye precisamente en esta catedral. La Catedral de Santiago constituye, junto a San Santurnino de Tolousse, Santa Fe de Conques en territorio francés, un ejemplo claro de templo de peregrinación. Es la obra más importante del románico español y una de las mayores del románico europeo.

 Bibliografía:

http://aprendersociales.blogspot.com.es/2006/12/la-catedral-de-santiago-de-compostela.html
http://www.slideshare.net/jpem0001/catedral-santiago-de-compostela
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/monumentos/322.htm
http://blogarteehistoria.blogspot.com.es/2010/01/comentarioplanta-de-santiago.html
http://benaventearte.blogspot.com.es/2011/01/catedral-de-santiago-de-compostela.html